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Conocida en el mundo artístico como JANCA, Artista en fotografía, esta admirable mujer, Colombo-Francesa (Cali/Biarritz), vivió su infancia y adolescencia entre Colombia, Francia y Argentina, graduándose como publicista en París.
Trabajó en una Agencia de prensa con la que viajó durante 5 años por Europa y Asia.
En 1996 realizó su primera exposición como artista en el &#8220;Latin American FotoSeptiembre&#8221; México, en representación de Colombia. Desde entonces, sus creaciones fotográficas en blanco y negro están expuestas en diferentes ciudades del mundo.
<figure id="attachment_2660" class="figure-caption aligncenter" style="max-width: 100%;"><img loading="lazy" decoding="async" class=" wp-image-2660" src="https://cdn.colexret.com/2022/05/Foto1-300x225.jpg" alt="" width="627" height="470" srcset="https://cdn.colexret.com/2022/05/Foto1-768x576.jpg 768w, https://cdn.colexret.com/2022/05/Foto1.jpg 1032w" sizes="(max-width: 627px) 100vw, 627px" /><figcaption class="figure-caption-text">Fotografía de &#8220;JANCA&#8221; expuesta en el &#8220;Espacio de arte contemporáneo DIDAM&#8221;, en Francia</figcaption></figure>
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Además de haber Ganado <a href="http://jancaphoto.wixsite.com/janca/awards">varios premios y reconocimientos a nivel nacional e internacional</a> por su artístico trabajo, ha Publicado dos libros de fotografías en blanco y negro &#8220;La Bella y la Bestia&#8221; y &#8220;Machos, historias de Nenas&#8221;. Dos historias diferentes contadas a través de puestas teatrales.
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Actualmente está trabajando en su nueva producción: una nueva serie de retratos para el lanzamiento de su nuevo libro de fotografías.
Aunque vive entre Francia y Colombia, viaja por todo el mundo con sus exposiciones.
Es una artista y una mujer muy preocupada por la Equidad de Género y, a través de su último trabajo &#8220;Machos, historias de Nenas&#8221;, plantea varios temas a veces inquietantes, en un estilo muy divertido.
Por todo lo anterior y mucho mas, &#8220;COLEXRET&#8221; quiere dedicar este espacio para resaltar el magnífico trabajo, y la puesta en alto la imagen de nuestra Colombia a través del arte fotográfico de JANCA; pero además, para invitar a nuestros lectores y seguidores a la magnífica exposición que está realizando esta gran artista en el espectacular santuario artístico de exposiciones &#8220;DIDAM&#8221;, en la ciudad de Bayonne &#8211; Francia, entre el 23 de Marzo al 10 de Junio del presente 2018.  Allí JANCA estará presentando al mundo su último trabajo &#8220;Machos, historias de nenas&#8221;, del que dice: &#8220;Busco con humor crear la reflexión sobre la importancia del rol de la mujer en la transmisión del machismo&#8221;.
Nos comenta también JANCA que &#8220;La idea es ofrecer a Fundaciones, ONG´s, Asociaciones, Gremios, Empresas, Dirigentes Sociales, a Funcionarios y Operadores públicos, a Estudiantes y docentes, mujeres y hombres, adolescentes y mayores, nuevas herramientas de prevención y de protección en cuanto al tema del machismo y sus consecuencias sociales: embarazos adolescentes, violencia intrafamiliar, sexismo en el ámbito profesional, entre muchas otras situaciones opresoras que vive la mujer en su cotidianidad&#8221;
Estoy convencida, dice JANCA, que &#8220;el trabajo en equipo entre las acciones artísticas, políticas y sociales, la educación y los medios de comunicación, puede abrir las conciencias sobre el machismo que nos rodea y el rol que juega la mujer en él&#8221;
<figure id="attachment_2661" class="figure-caption aligncenter" style="max-width: 100%;"><img loading="lazy" decoding="async" class=" wp-image-2661" src="https://cdn.colexret.com/2022/05/Foto2-300x169.jpg" alt="" width="653" height="368" srcset="https://cdn.colexret.com/2022/05/Foto2-768x432.jpg 768w, https://cdn.colexret.com/2022/05/Foto2.jpg 1032w" sizes="(max-width: 653px) 100vw, 653px" /><figcaption class="figure-caption-text">Salón &#8220;DIDAM&#8221; en Francia, donde se expone la obra de JANCA &#8220;Machos, historias de nenas&#8221;</figcaption></figure>
Reitera JANCA que &#8220;esta exposición busca con humor romper la imagen de los roles &#8220;definidos&#8221; que tenemos por profesiones según el sexo; el plomero es un hombre, la niñera una mujer&#8221;.  Y continúa expresando que &#8220;Para lograr esto, decidí hacer posar a los hombres de mujeres y a las mujeres de hombres. Esto de alguna manera crea una sensación divertida que apela a un impacto emocional en el público y genera un debate en nuestra mente.
Lograr que, a través de una creación artística divertida, protagonizada por personalidades del mundo cultural colombiano se llegue a crear una reflexión sobre el machismo, es un paso mas en el proceso que se está viviendo a nivel nacional e internacional, sobre la concientización de hablar sobre el valor de la mujer, y de su respeto.
Ser partícipe en el desarrollo de nuestras poblaciones en cuanto a la superación individual y social, es para mi, el objeto de esta creación artística en la que nos comprometimos mas de 60 artistas.
Y termina diciendo que &#8220;La intención de mis retratos siempre es la de fomentar el arte y la de promover la cultura como una forma de fortalecer los valores sociales.  Estoy plenamente convencida que el cambio personal genera impactos colectivos&#8221;
Sobre esta exposición &#8220;Machos, historia de niñas&#8221;, nos decía Amandine Chaput, Responsable de artes visuales del Espacio de arte contemporáneo DIDAM, Rama de la cultura y el patrimonio, que:
&#8220;Inaugurado en el año 2015, DIDAM, espacio para el arte contemporáneo creado por la ciudad de Bayonne, en tres años quedó inscrito en el paisaje artístico regional. Abierto a la creación contemporánea nacional e internacional (Carlos Saura, Raymond Depardon, Lucien Clergue, Yann Arthus-Bertrand, Liu Bolin&#8230;), es también lugar de visibilidad para los artistas instalados en Bayona y las ciudades circundantes cuyo trabajo alimenta cotidianamente el impulso artístico propio a esta región.
Proponiendo una programación de cinco exposiciones por año, tiene como objetivo presentar al público nuevas visiones inspiradas en la sensibilidad e inspiración de la creación fotográfica actual. Como tal y teniendo en cuenta el enfoque de calidad estética y compromiso de la artista JANCA, la ciudad de Bayonne le propuso participar en un nuevo proyecto sobre el tema de género y convivencia en nuestras sociedades contemporáneas.
Agregaba Amandine que &#8220;Dada la actualidad mundial y la precisión del tema del trabajo de JANCA, nos pareció particularmente importante invitarla a participar en este proyecto de arte, que busca ser porta voz de unos cuestionamientos importantes que cambiarían el funcionamiento de nuestras relaciones sociales desde las más íntimas, a las más públicas o profesionales.
Y concluía diciendo que &#8220;Buscando que esta propuesta creativa sea también propicia para el intercambio y el debate, nos alegramos en presentar el trabajo de JANCA sobre nuestras paredes, para descubrir no tan solo el interés técnico y estético de su fotografía, sino también para evocar con ella las múltiples preguntas que el vivir-juntos contemporáneo evoca, tanto desde el punto de vista artístico, así como en los planes sociales o políticos&#8221;.
Desde &#8220;COLEXRET&#8221; nuestras mas sinceras felicitaciones, y agradecimientos a JANCA por inundar al mundo de arte con imagen y grandeza colombiana; y máxime cuando esa expresión artística resalta el valor de la mujer y la lucha contra la peste del machismo.
Más sobre &#8220;JANCA&#8221; en su Página Web: 
<a href="http://jancaphoto.wixsite.com/janca/machos-histoires-de-nanas">http://jancaphoto.wixsite.com/janca/machos-histoires-de-nanas</a> 

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“Machos, historias de nenas”

Hay diferentes formas de contar la historia de Tonya Harding, la patinadora olímpica quien pasó de ser la única estadounidense en completar un salto triple axel con una combinación de loop doble en competición a un blanco de la prensa rosa. “Yo, Tonya” elige irse por la vía más interesante, convirtiendo la historia de Harding en una comedia oscura acerca de los sueños, el crimen, el círculo familiar y cómo la infancia marca nuestra vida e, indudablemente, define quiénes somos.
Margot Robbie interpreta magistralmente a Harding, una joven de Oregon quien juega bajo sus propias reglas y usa su talento como un arma de doble filo, las cuales la llevan a la cima y al abismo de su carrera artística y personal. Desde niña, es obligada a patinar por su madre (Allison Janney, la triunfadora en la gala de premiaciones y, recientemente, ganadora del Oscar por esta actuación), quien es un monstro narcisista, carece de simpatía y aprovecha cualquier oportunidad para destruir psicológica y físicamente a su hija.
Pero este ciclo de abusos trasciende del círculo familiar. El novio y, posteriormente, esposo de Tonya (Sebastian Stan) es brutal y agresivo; sin embargo, algunas veces es torpe y, otras, amoroso. Estos factores tóxicos conllevan al incidente del que muchos hemos oído hablar, en el que la rival de Harding, Nancy Kerrigan, se fracturó su rodilla como resultado de un plan premeditado por su calculador esposo.
Aunque “el incidente”, como los personajes de esta cinta se refieren recurrentemente, sucede mucho después de la mitad de “Yo, Tonya”, el escritor Steven Rogers logra enfocarse en la versión de Harding y la presenta como la narrativa central en casi orden cronológico. Desde su infancia, hasta sus competencias, así como su vida amorosa y la obsesión de los medios hacia ella.
En “Yo, Tonya”, Robbie nos da su mejor interpretación en su carrera actoral. Es un personaje que despierta muchas sensaciones. A pesar de ser grosera, difícil y rebelde, la comprendemos y sentimos compasión por ella. Y, adicionalmente, es una atleta talentosa quien, a pesar de vivir en un torbellino de conflictos personales, es capaz de brillar y triunfar en el hielo. Es una mujer profundamente afectada, quien toma malas decisiones; sin embargo, la comprendemos porque sabemos que también es una víctima, en donde algunas veces refleja inseguridad y, en otras, un alto grado de vulnerabilidad.
En sus treintas, y después del “incidente”, Harding se convirtió en una celebridad del boxeo. ”Violencia es lo único que sé hacer” dice antes de ser noqueada por su rival en el ring. Con esto, además de incluir secuencias y videos originales de Tonya Harding, mientras ruedan los créditos, esta cinta al final parece implicar y cuestionar el rol de la audiencia y de los medios durante el escándalo, desde la visión de Tonya, preguntando retóricamente: todo debió tratarse solo de patinar, pero al final del día ninguno de ustedes estaba interesado en ello, ¿no es así?
Andrés Bayona

“Yo, Tonya convierte una tragedia en un triunfo”

Recientemente, Hollywood ha recibido fuertes golpes financieros a raíz de la falta de diversidad en sus películas, la cual ha generado controversia entre críticos de cine y sus espectadores. Casos recientes como la última adaptación de “Peter Pan”, en la que Warner Bros. fue criticado por racismo después de elegir a la actriz Rooney Mara como Tiger Lily o la decisión de Lionsgate de incluir sólo actores americanos en el elenco de la fallida “Dioses de Egipto”, son claros ejemplos de cómo las cuestionadas decisiones de la industria no solo afectan a su reputación, sino también a su negocio.
Los latinos también han sido pobremente representados en las películas de Hollywood. Además de no ser una prioridad, Hollywood jamás había producido una historia con más de ocho latinos en una producción de más de 50 millones de dólares. Ese “récord” lo rompió COCO, una película en donde Pixar rompió las reglas de la industria, no sólo contando una historia centrada en la cultura mexicana, sino incorporando temas adicionales en su narrativa, entre ellos, muerte y deslealtad, elementos completamente opuestos a la visión del estudio.
Las películas de Pixar, por lo general, centran sus historias en la familia, en el amor y en la memoria (“Up”, “Toy Story”, “IntensaMente” y “Buscando a Nemo”, por mencionar algunas); y a pesar de que el estudio no lo ha reconocido abiertamente, la visión de Pixar ha cambiado, significativamente, a lo largo de los años. Mientras que en su momento de gloria, el estudio se concentró en estrenar historias originales, con el paso del tiempo, su foco ha estado dirigido en sólo producir secuelas como “Cars 3” y “Buscando a Dory”, así como los próximos estrenos de “Los Increíbles 2” y “Toy Story 4”, las cuales, al final del día, se sienten emocional y narrativamente redundantes.
Sin embargo, COCO trajo un efecto energizante a Pixar al punto de hacerlo romper sus propias reglas e, indiscutiblemente, las de la industria, contando una historia de alto presupuesto acerca de personajes hispanos, completamente ajenos a la cultura americana. De hecho, COCO es la película número 19 de Pixar y es la primera, en su muy bien documentada trayectoria, que cuenta, en su mayoría, con actores hispanos.
A diferencia de intentos fallidos como “Nacho Libre”, “Maid in Manhattan” y “Spanglish”, las cuales tuvieron decepcionantes acercamientos a la cultura latina, COCO no cae en estereotipos ni en clichés – no hay chihuahuas ni piñatas, por ejemplo – y exitosamente respeta y hace tributo a las tradiciones mexicanas.
COCO sigue la historia de Miguel González, un niño mexicano quien anhela con ser cantante. Sin embargo, su familia de zapateros ha vetado la música después de que su bisabuelo abandonara a su esposa para seguir su sueño de ser músico. A raíz de la posición de su familia, Miguel abandona su casa, durante “Día de Muertos”, y es mágicamente transportado a la “Tierra de los Muertos”, seguido de una cadena extraordinaria de eventos.
Las intenciones de Pixar van más allá del hecho de que la historia de COCO transcurra en México; al contrario, la película gira alrededor de la tradición mexicana “Día de Muertos” y ofrece un cálido tributo a la importancia de la familia, de los ancestros y de los recuerdos. Esta decisión fue arriesgada, ya que esta película se concentra en dicha celebración que es compleja de explicar y de crear visualmente. Sólo imaginar una película familiar llena de esqueletos y cráneos en un lugar tan aterrador como “La Tierra de los Muertos” hubiese sido suficiente para dejar a un lado la producción de COCO.
COCO es la segunda película en la tradición de “Día de Muertos” después de “El Libro de la Vida”, producida por Guillermo del Toro para FOX. Sin embargo, COCO toma dos acercamientos distintos al “Día de Muertos” y del “más allá”, gracias a presentar una narrativa interesante con lo que nadie como Pixar puede hacer: la creación de un fantástico, colorido y fascinante mundo que, sin lugar a dudas, es visualmente llamativo e increíble.
La premisa de COCO nos lleva a una aventura al “más allá”, la cual resalta la importancia de mantener vivos a quienes nos han dejado en este mundo. La película provee una visión amigable de cómo la vida puede apreciarse después de la muerte, sobre la importancia de mantener a nuestros seres queridos en nuestro corazón, sin olvidarnos de quienes han partido. También, COCO celebra las tradiciones mexicanas con respeto, lo cual hace que los mexicanos se identifiquen y se conecten inmediatamente con la historia. Seguramente quienes no estén familiarizados con esta celebración, no entenderán algunas de las referencias de COCO, pero esto no quiere decir que no apreciarán a esta película tanto como quienes están familiarizados con “Día de Muertos”. Seguramente para algunos será gracioso ver a las papayas bailarinas, a Imelda y su chancla, a las máscaras de lucha libre e incluso a la pasión por los tamales, pero para los mexicanos hay un elemento adicional de orgullo que va más allá del entretenimiento. Después de ver COCO, aquellos quienes no son afines con su cultura y festividades, las entenderán y las verán con reverencia y respeto, a diferencia de “exótico”, como tiende a ser visto lo desconocido.
COCO es un llamado a la unidad y a la aceptación, considerando cómo los latinos, particularmente los mexicanos, han sido marginados en Estados Unidos. COCO fue estrenada durante una coyuntura política tensa entre el gobierno de México y de los Estados Unidos. A pesar de que esta película no es sobre “el muro”, sí es acerca de fronteras en donde la “moneda” de los fantasmas son los recuerdos y las “visas” son las fotos de sus seres queridos.
COCO probablemente será una película que llegue al corazón de los espectadores como ninguna otra película de Pixar lo ha hecho hasta ahora; su aproximación cultural siempre es incluyente. La familia y lo que ésta representa son temas universales sin importar la descendencia. COCO hace un tributo al “Día de Muertos” magistralmente al hacer referencia a nuestros ancestros, de dónde vinieron y de ese árbol genealógico que nos trajo al mundo en el que vivimos hoy; y ese componente adicional de recordar a quienes no nos rodean más es poderosamente conmovedor.
COCO es una nota cálida, que resalta el arte y las tradiciones hispanas que han sido pobremente representadas en Hollywood por años. COCO se estrenó en cines no solo en un momento en el que la cartelera necesitaba un nuevo aire, pero también en un momento controversial para el estudio. El Co-fundador de Pixar, John Lasseter, anunció que abandonaría la compañía temporalmente a raíz de una serie de acusaciones en su contra por conducta inapropiada. Sin duda, COCO tuvo retos y obstáculos antes de su producción y estuvo al borde de no ver la luz del día. Pixar intentó comprar los derechos del nombre “Día de Muertos” y, después de una furiosa petición en contra de Disney con más de 20,000 firmas, el estudio cambió de parecer y le dio una voz al caricaturista Lalo Alcaraz, al Co-director y escritor Adrián Molina, a los consultores culturales Marcela Davison y a Octavio Solis, quienes se unieron al proyecto. Esto, acompañado de las excelentes críticas y del voz a voz, llevaron a COCO a ocupar el primer lugar en la taquilla estadounidense durante tres semanas consecutivas, ser la película más exitosa en México, ganar el Globo de Oro por mejor película animada y llevarse dos nominaciones a los Premios Óscar que se llevarán a cabo el próximo 4 de marzo en Los Ángeles.
Andrés Bayona

COCO: una carta de amor a México

Para quienes crecimos en Latinoamérica, hemos sido testigos de una sociedad que durante siglos ha sido dominada por una visión masculina. A pesar de ello, el imaginario hispano ha aprendido, gradualmente, a entender y a darle relevancia al rol de las mujeres en la sociedad nacional. Pero adicional a generar conciencia acerca de esta realidad, los latinos también hemos luchado en contra de innumerables estereotipos que han sido expuestos en una industria masiva de comunicaciones, en los medios, en el cine y en el teatro, los cuales solo han contribuido a dar percepciones distorsionadas de nuestras culturas y a “mostrar” un reflejo errado del contexto en el que vivimos.
A pesar de ello, es importante resaltar las iniciativas y avances que hemos tenido con relación al rol de las mujeres hispanas en la sociedad por medio de audiovisuales. DOC NYC, el festival de cine documental más grande de Estados Unidos, seleccionó el cortometraje “De Colores”, una historia dirigida por la venezolana Luz Marina Zamora, como parte de su muestra el próximo 10 de noviembre en Nueva York.
El corto contribuye a romper con el estereotipo de la comunidad latina en Estados Unidos, centrando la narrativa en el rol emprendedor y en la contribución de mujeres hispanas a ese país. El mensaje, a través de los ojos de Aura Taibel, una colombiana verraca y empoderada, trasciende a un ejemplo de emprendimiento y a un llamado a soñar en grande, a no autolimitarse y a tener el valor de ser uno mismo ya que, al final del día, los líderes nacen, pero también se hacen.
Aura cambia su propio destino a fuerza de trabajo y tesón, y que luego de más de 30 años limpiando casas ajenas, se vuelve inversionista de bienes raíces. El Compromiso de Aura con su propio desarrollo como ser humano, su profunda conciencia sobre la libertad y su tenacidad en la consecución de autonomía, la   llevan a emigrar de su país, y le permiten alcanzar su pleno potencial como mujer creativa, emprendedora e independiente.  Para Aura, el trabajo doméstico es motivo de orgullo, se ve a sí misma como una pintora creativa, técnica,    experimentada, y además empática, una artista que con detalle “pinta” lo que     entiende sus contratantes desearían ver en sus hogares.
El documental invita a mirar de cerca, de manera transparente y directa,  la experiencia cotidiana y laboral de Aura en Nueva York. Y esta misma mirada íntima se corresponde de manera perfecta con la utilización de un iPhone como cámara, la cineasta siendo simplemente espejo de su sujeto. En efecto, Luz retrata de manera próxima y cálida las distintas dimensiones vitales de la protagonista.
Luz es una creativa terriblemente talentosa con quien tengo una cercanía particular, no solo porque somos latinos y compartimos experiencias similares, sino porque la conocí durante la producción de este proyecto, además de ser  testigo de su visión y de su pasión por contar la historia de Aura.  Su idea estuvo concentrada en hacer un retrato de la sociedad americana, en especial en Manhattan, a través de los ojos de una inmigrante y dignificar su trabajo, el cual también ha contribuido al desarrollo del país. Para ella, hacer un documental es saltar al vacío, ya que uno siempre espera que se abra en algún punto sin     necesariamente tener certeza de ello.  La incertidumbre es el mayor combustible en un documental, en donde muchas veces prima la incertidumbre. Sin embargo, algo sí es seguro en esta historia: alcanzando sus últimos segundos en pantalla, este documental nos muestra que la travesía de Aura, apenas está comenzando. Sólo el devenir, el plan de Aura,  la mirada de Luz, definirá la duración de esta película de aprendizaje y superación.

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“Machos, historias de nenas”

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